«Tender Moments» di McCoy Tyner: prova d’orchestra per un nonetto di straordinaria coesione (Blue Note, 1968)

La tecnica di arrangiamento esibita da McCoy Tyner in «Tender Moments» si fondò su un principio di sintesi geometrica in cui il rigore della scrittura orchestrale e la libertà delle singole individualità non si annullassero, alimentandosi a vicenda.

// di Aldo Gradimento //

L’album «Tender Moments», registrato da McCoy Tyner nel dicembre del 1967 e pubblicato dalla Blue Note nel luglio dell’anno successivo, sancisce uno snodo storiografico e analitico di primaria importanza all’interno dell’evoluzione del jazz moderno. Collocato cronologicamente a pochi mesi dalla scomparsa di John Coltrane e dall’abbandono dello storico Classic Quartet da parte del pianista di Filadelfia, questo lavoro segna l’emancipazione artistica e la piena maturità di Tyner come leader e, soprattutto, come compositore e arrangiatore per organici estesi. Dal punto di vista strutturale, l’opera si distanzia dalle precedenti produzioni in trio per abbracciare la complessità formale del nonetto, inserendosi in quel filone del post-bop che cercava una sintesi tra la libertà modale coltraniana e il rigore della scrittura orchestrale. La scelta dell’organico, che affiancava alla sezione ritmica e ai tradizionali sassofoni e tromba elementi insoliti come il corno francese di Bob Northern e la tuba di Howard Johnson, consentì a Tyner di scandagliare soluzioni timbriche inedite, caratterizzate da una varietà armonica che anticipava le produzioni per big band degli anni Settanta.

L’apertura del disco è affidata a «Mode to John», una composizione che si dispensa come un vero e proprio saggio di architettura modale e un solenne tributo alla memoria di Coltrane. In questo brano, l’arrangiamento dei fiati crea un tappeto sonoro teso e giustificato, su cui il pianismo di Tyner si dispiega con la consueta energia percussiva, mediata però da una nuova urgenza drammaturgica. Segue «Man from Tanganyika», un episodio di dichiarata ispirazione afrocubana e poliritmica, in cui il groove ossessivo e l’uso strategico degli ottoni gravi conferiscono al pezzo una spazialità quasi teatrale. L’omaggio alla tradizione pianistica prosegue con «The High Priest», esplicito e geometrico tributo a Thelonious Monk; qui Tyner rielabora le spigolosità ritmiche e le progressioni armoniche del maestro del bebop, filtrandole attraverso un monumentale vocabolario di accordi per quarte. La seconda metà dell’opera si schiude con «Utopia», l’episodio più complesso e strutturato sotto il profilo contrappuntistico, atto ad evidenziare la perizia di Tyner nel gestire le tensioni polifoniche all’interno del nonetto. Il vertice lirico dell’album viene tuttavia raggiunto con una ballata: «All My Yesterdays», in cui il tocco tipicamente muscolare del leader si flette verso un intimismo cameristico di straordinaria sensibilità, dove il flauto di James Spaulding conversa con il pianoforte in un clima di sospensione nostalgica. Il disco si chiude infine con «Lee Plus Three», un episodio in controtendenza strutturale che riduce l’organico a un quartetto acustico, escludendo la sezione allargata dei fiati per isolare la tromba di Lee Morgan. Questo passaggio si rivela fondamentale per apprezzare, per contrasto, la dialettica pura tra solista e sezione ritmica, esaltando l’interplay fra Tyner e la batteria propulsiva di Joe Chambers. In conclusione, «Tender Moments» non delinea semplicemente un album di transizione, quanto un manifesto estetico in cui McCoy Tyner dimostra come il linguaggio del jazz modale potesse organicamente integrarsi con le esigenze formali della grande tradizione degli arrangiatori americani, fissando un punto di riferimento imprescindibile per la critica e la storiografia musicale del Novecento.

L’analisi filologica di «Tender Moments» non può prescindere da un esame autoriale delle singole personalità solistiche coinvolte, le quali non si limitarono ad eseguire le partiture di McCoy Tyner, ma ne ridefinirono i confini estetici attraverso un interplay d’avanguardia. Il nonetto radunato per l’occasione costituiva una sintesi perfetta tra la scuola dell’hard bop ortodosso e le spinte più radicali del nuovo jazz della fine degli anni Sessanta, trovando nei singoli musicisti dei veri e propri co-autori del suono complessivo del disco. Il contributo di Lee Morgan si rivelò fondamentale nel determinare la tensione drammatica dell’album. Distante dalle sue coeve incisioni soliste per la Blue Note, caratterizzate da un blues universale e da un lirismo immediato, in questo contesto il trombettista diede una prova di notevole astrazione armonica. La sua performance in «Lee Plus Three» ne fu il manifesto: privato del supporto orchestrale del nonetto, Morgan dialogò con Tyner mostrando un fraseggio tagliente, geometrico e ricco di variazioni ritmiche dimostrando la sua totale aderenza alle strutture del jazz modale. La sua abilità nell’alternare fiammate acute a un controllo rigoroso del registro medio conferì al brano una vitalità che ne fece il perfetto contraltare all’opulenza orchestrale del resto del disco. Bennie Maupin, dal canto suo, inserì nell’album una componente timbrica scura e una propulsione narrativa che anticipava le sue future collaborazioni con Miles Davis e i Mwandishi di Herbie Hancock. Il suo approccio al sassofono tenore risulta vigoroso, profondo, fortemente influenzato dalla lezione tardo-coltraniana ma già proiettato verso una propria urgenza espressiva. In brani come «Mode to John» e «Utopia», gli assoli di Maupin si distinguono per l’uso di linee geometriche e intervalli ampi che tagliano trasversalmente il tessuto armonico orchestrato da Tyner, offrendo una voce solista che funge da perfetto ponte tra la tradizione del post-bop e le nuove frontiere della New Thing. Altrettanto decisivo fu l’apporto degli altri membri sul fronte dei fiati, a partire da James Spaulding. Il suo lavoro al sassofono contralto, e in particolare al flauto in «All My Yesterdays», garantì all’album quella trasparenza cameristica necessaria a bilanciare la pesantezza degli ottoni gravi. Infine, la sezione ritmica composta da Herbie Lewis al contrabbasso e Joe Chambers alla batteria si dimostrò un motore instancabile: Chambers, in particolare, evitò accuratamente i pattern più prevedibili del bop a favore di un commento poliritmico continuo, fatto di colori sui piatti e accenti spezzati sul rullante, che spinse costantemente i solisti a superare i propri limiti esecutivi.

La tecnica di arrangiamento esibita da McCoy Tyner in «Tender Moments» si fondò su un principio di sintesi geometrica in cui il rigore della scrittura orchestrale e la libertà delle singole individualità non si annullassero, alimentandosi a vicenda. L’elemento cardine della strategia compositiva nacque dalla trasposizione in ambito orchestrale del suo celebre pianismo per quarte (voicing quartali). Sostituendo le tradizionali armonie terziarie del jazz classico con intervalli di quarta, Tyner seppe generare un tessuto sonoro per i fiati che risultò programmaticamente aperto, ambiguo e privo di una rigida polarizzazione tonale. L’impianto armonico offrì ai solisti come Lee Morgan o Bennie Maupin uno sfondo estremamente spazioso, che non ne vincolava le scelte melodiche ma ne stimolò il fraseggio modale. Un secondo espediente tecnico di rilievo fu la gestione contrappuntistica dello spettro timbrico, ottenuta mediante l’insolito inserimento del corno francese di Bob Northern e della tuba di Howard Johnson. Tyner non utilizzò questi due strumenti in chiave meramente accademica o decorativa; al contrario, li adoperò come un vero e proprio centro di gravità acustico. Dislocando la tuba sulle linee di basso in raddoppio o in alternanza con il contrabbasso di Herbie Lewis, e sfruttando il corno francese come elemento di sutura orchestrale tra il registro acuto dei sassofoni e quello grave degli ottoni, il pianista ottenne così un suono d’insieme pastoso, denso e tipicamente bronzeo. In tracce complesse come «Utopia», la saturazione timbrica venne sapientemente contrastata attraverso la tecnica del voicing a blocchi (lock-jaw o block chords), dove i fiati muovevano all’unisono o per moto parallelo seguendo le linee melodiche dettate dal pianoforte, generando un effetto di monumentale compattezza. Infine, l’arrangiamento di Tyner si distinse per una raffinata scomposizione delle dinamiche interne al nonetto, evitando l’accumulo caotico attraverso un uso strategico dei vuoti e dei cambi di organico estemporanei. All’interno dello stesso componimento, il pianista isolò spesso i singoli solisti privandoli dell’accompagnamento dei fiati e lasciandoli a dialogare esclusivamente con la sezione ritmica, per poi reinserire l’intero ensemble in momenti di climax drammatico tramite background scritti di forte impatto tensivo. L’alternanza flessibile tra il pieno orchestrale e il vuoto del trio o del quartetto permise alle spiccate personalità presenti nel disco di emergere senza frammentare l’unità stilistica del concept, elevando la partitura scritta a mappa dinamica per l’improvvisazione collettiva.

All’atto della sua pubblicazione nel luglio del 1968, «Tender Moments» ricevette un’accoglienza critica complessa e intellettualmente stimolante, specchio di un’epoca di profonda transizione per il jazz d’avanguardia. Le principali testate specializzate del periodo, tra cui la prestigiosa rivista statunitense «DownBeat», accolsero l’opera con un misto di profonda ammirazione per la caratura tecnica del leader e di parziale sorpresa per la direzione stilistica intrapresa. La stampa di settore colse immediatamente la dicotomia insita nell’opera, evidenziando come l’epiteto dell’album si rivelasse programmaticamente fuorviante: a eccezione della lirica ballata «All My Yesterdays», la critica dell’epoca sottolineò la natura tutt’altro che «tenera» delle composizioni, descrivendole piuttosto come animate da una forte urgenza espressiva e da un’architettura sonora tesa, vigorosa e a tratti aggressiva. Un secondo fulcro del dibattito critico del 1968 si concentrò sulla statura di McCoy Tyner come leader autonomo nel panorama post-coltraniano. La saggistica contemporanea riconobbe al pianista il merito di essersi emancipato dall’ingombrante ombra del Classic Quartet, non attraverso una rottura iconoclasta, ma tramite una rigorosa evoluzione formale. Gli esperti lodarono la transizione dal modulo del trio acustico alle complessità strutturali del nonetto, giudicando l’opera un felice punto di equilibrio tra la libertà modale e le esigenze dell’arrangiamento scritto. In particolare, vennero recensiti con favore gli omaggi storici a John Coltrane e Thelonious Monk, interpretati non come sterili celebrazioni nostalgiche, ma quali manifesti di una continuità metodologica in cui Tyner rielaborava la lezione dei maestri senza mai sacrificare l’identità del proprio monumentale vocabolario pianistico. Non mancarono, tuttavia, riserve di carattere strettamente tecnico e ingegneristico, specialmente in merito alla resa acustica dell’ampia sezione fiati all’interno degli spazi del Van Gelder Studio. Alcuni recensori dell’epoca rilevarono come la densità e la saturazione degli ottoni gravi – introdotte dall’insolito binomio di corno francese e tuba – mettessero talvolta a dura prova il mixaggio stereofonico originale, creando passaggi in cui le tessiture orchestrali all’unisono rischiavano di apparire parzialmente opache o prive della necessaria trasparenza dinamica. Ciononostante, il giudizio storico complessivo sancì il successo dell’album: la critica coeva ne decretò l’importanza storiografica, individuando in «Tender Moments» la mappa genetica e il laboratorio estetico da cui Tyner avrebbe attinto per le sue successive e monumentali produzioni per grande ensemble degli anni Settanta.