Vijay Iyer, il pianista multitasking dalle forme aperte e non gerarchiche, tra America e India

Nel tracciato artistico di Vijay Iyer si avverte una tensione costante tra assimilazione e superamento delle coordinate storiche del pianismo jazzistico. La sua prassi strumentale, pur affondando le radici nell’eredità afroamericana, si sottrae a ogni intento emulativo, preferendo una dialettica di risonanze e deviazioni.

// di Francesco Cataldo Verrina //

Vijay Iyer si distingue quale figura liminale e carismatica nel perimetro della produzione musicale contemporanea, con un corpus discografico che trascende le codificazioni idiomatiche del jazz per articolarsi in una rete di riferimenti transdisciplinari. La sua traiettoria esecutiva e compositiva si contraddistingue per una sistematica riconfigurazione degli aspetti formali del pianismo improvvisativo, coniugata ad una visione estetica che ingloba elementi provenienti dalla scienza cognitiva, dalla scrittura accademica e dalla pratica performativa. Formatosi nel solco di una rigorosa educazione scientifica e umanistica, Iyer elabora un linguaggio musicale che si nutre di implicazioni semiotiche e gestuali, capace di sostenere una riflessione sulla temporalità, sull’identità e sulla ritualità sonora. L’attività quasi trentennale, disseminata in venti pubblicazioni, attesta una prolificità non orientata alla ripetizione stilistica bensì all’esplorazione di archetipi formali e timbrici, attraverso collaborazioni con strumentisti di sensibilità affine, come Marcus Gilmore e Wadada Leo Smith, e formazioni quali l’International Contemporary Ensemble. L’insieme delle commissioni orchestrali e cameristiche pone Iyer in dialogo con compagini d’avanguardia (Silk Road, Brooklyn Rider, Brentano Quartet), nell’alveo di una progettualità compositiva che interroga i meccanismi della memoria, dello spazio sonoro e dell’interazione ritmica. La sua nomina a professore presso Harvard incarna la sintesi di una vocazione epistemologica che non si esaurisce nella pratica musicale, ma che ambisce a codificare il sapere musicale come forma di pensiero critico e di azione culturale.

Nel tracciato artistico di del pianista americano-indiano si avverte una tensione costante tra assimilazione e superamento delle coordinate storiche del pianismo jazzistico. La sua prassi strumentale, pur affondando le radici nell’eredità afroamericana, si sottrae a ogni intento emulativo, preferendo una dialettica di risonanze e deviazioni. L’ascendenza di figure come Thelonious Monk, Cecil Taylor e Andrew Hill si manifesta non tanto in citazioni stilistiche quanto in una condivisione di posture intellettuali: l’idea del pianoforte come laboratorio di fratture ritmiche, come spazio di articolazione polifonica del pensiero. In Monk, Iyer riconosce la capacità di piegare la sintassi armonica verso una logica di gesti obliqui e discontinui; in Taylor, l’impulso a concepire l’improvvisazione come atto corporeo e architettonico; in Hill, la propensione ad una scrittura che interroga la forma senza dissolverla. Tuttavia, Iyer non si colloca in una linea di discendenza diretta, ma la sua estetica si costruisce per attrazione e repulsione, per contatto e scarto, in un continuo rimescolamento di codici. La formazione scientifica e il suo interesse per la cognizione pentagrammatica lo portano ad interrogare il gesto pianistico non come semplice espressione, ma come fenomeno situato, incarnato e relazionale. In tal senso, la distanza da modelli come Bill Evans o Keith Jarrett non è da intendersi come rifiuto, bensì come scelta epistemologica. Laddove Evans cercava la trasparenza emotiva e Jarrett l’estasi del flusso, Iyer predilige l’opacità del segno, la frizione tra intenzione e risultato, la politicità del suono. Il dialogo con il passato non si risolve in una genealogia, ma si articola come costellazione, dove ogni riferimento diviene un punto di fuga, ogni affinità una soglia da oltrepassare. Il pianoforte, per Iyer, non rappresenta il luogo della memoria, ma quello della possibilità.

Il pianista-compositore si caratterizza come un agente catalizzatore di pratiche musicali eterogenee, capace di connettere le istanze del vernacolo afroamericano con le urgenze linguistiche della musica d’arte del XXI secolo. La sua posizione non è assimilabile a quella di un epigono né di un innovatore isolato, bensì di un interlocutore critico che interagisce con molteplici comunità artistiche, da quella improvvisativa a quella compositiva, da quella accademica a quella performativa. La sua affinità con figure quali Tyshawn Sorey, Craig Taborn, Linda May Han Oh e Steve Lehman si fonda su una condivisione di intenti estetici e metodologici. ossia l’attenzione alla struttura ritmica come campo di indagine, la predilezione per forme aperte e non gerarchiche, l’interesse per la politicità del gesto sonoro. Con Taborn, ad esempio, ha realizzato «The Transitory Poems», una conversazione pianistica che riflette sulla memoria e sull’evanescenza del segno; con Sorey e Oh ha inciso «Uneasy», un concept che interroga le tensioni sociali attraverso una grammatica musicale stratificata e mobile. La sua collaborazione con Wadada Leo Smith, culminata in «A Cosmic Rhythm With Each Stroke» e «Defiant Life», testimonia una convergenza spirituale e concettuale con le avanguardie afroamericane, in cui il suono diviene veicolo di meditazione e resistenza. Al contempo, la sua apertura verso linguaggi extrajazzistici, come la musica elettronica, la composizione per ensemble classici e la performance interdisciplinare, lo avvicina a figure come Matana Roberts, Ambrose Akinmusire e Nicole Mitchell, con cui condivide una visione del jazz come spazio di possibilità, non come genere delimitato. Ogni album non è un «modulo» da incasellare, ma piuttosto un gesto, un’affermazione, una domanda rivolta al tempo ed alla prassi musicale. Dai primi lavori si avverte una volontà di distillare il jazz dalle sue convenzioni, mettendolo in dialogo con altre genealogie matematiche, poetiche e politiche.

La discografia di Vijay Iyer, infatti, sancisce l’idea di pacchetto stratificato, in cui ogni progetto rappresenta la tappa di un itinerario estetico in continua ridefinizione. Fin dagli esordi, si avverte una tensione fra la ricerca formale e l’urgenza espressiva, fra l’indagine ritmica e la riflessione timbrica. Nel 1995, «Memorophilia» inaugura il percorso con una pluralità di ensemble e un approccio compositivo già orientato alla frammentazione e alla sovrapposizione idiomatica. «Architextures» (1998) prosegue tale indagine, accentuando la dimensione polifonica e l’interscambio fra strumenti a fiato e pianoforte. «Con Panoptic Modes» (2001) si delinea una scrittura più compatta, in cui il dibattito sonoro con Rudresh Mahanthappa assume centralità. Il biennio 2003–2005 segna una svolta. «In What Language?», realizzato con Mike Ladd, introduce la parola come elemento strutturale, mentre «Blood Sutra» e «Reimagining» consolidano il trio con Stephan Crump e Marcus Gilmore, aprendo ad una sintassi ritmica più mobile. «Raw Materials» (2006), in duo con Mahanthappa, rappresenta una sintesi fra improvvisazione e architettura tematica. Con «Tragicomic» (2008) e «Historicity» (2009), il trio raggiunge una maturità espressiva che culmina in «Accelerando» (2012), dove la pulsazione si fa vettore di tensione e rilascio. «Solo» (2010) rivela invece una dimensione introspettiva, in cui il pianoforte si fa specchio di una riflessione sul gesto e sul silenzio. «Tirtha» (2011), con «Prasanna» e «Nitin Mitta», apre al dialogo con la tradizione musicale indiana, mentre «Holding It Down» (2013) torna ad indagare la parola come memoria e trauma. «Mutations» (2014) introduce l’elettronica e il quartetto d’archi, segnando un’apertura verso la scrittura cameristica. «Break Stuff» (2015) riafferma la vitalità del trio, con una densità ritmica che si fa linguaggio. «A Cosmic Rhythm With Each Stroke» (2016), in duo con Wadada Leo Smith, promulga una sorta di meditazione sonora, mentre «Far From Over» (2017), con il sestetto, espande la tavolozza timbrica e la complessità formale. «The Transitory Poems» (2019), con Craig Taborn, è un esercizio di memoria e dissolvenza. «Uneasy» (2021), con Tyshawn Sorey e Linda May Han Oh, interroga le tensioni sociali attraverso una stesura sonora stratificata. «Love In Exile» (2023), con Arooj Aftab e Shahzad Ismaily scava nella sospensione e nell’intimità del suono. «Compassion» (2024) e «Defiant Life» (2025), le più recenti, testimoniano una perlustrazione sempre più sotterranea sul ruolo del suono come gesto etico e relazionale.

La ricezione critica dei dischi del pianista ha evidenziato una costante ammirazione per la sua capacità di coniugare rigore compositivo e tensione espressiva, con particolare attenzione alla dimensione politica e sociale del suono. «Accelerando» (2012) fu accolto con entusiasmo unanime: Metacritic gli attribuì un punteggio di 88/100, mentre Pitchfork lo valutò 8.2/10, sottolineando la sintesi fra tradizione post-bop ed innovazione ritmica. AllMusic lo definì «un trionfo di creatività e perizia strumentale». «Uneasy» (2021), inciso con Tyshawn Sorey e Linda May Han Oh, ricevette un punteggio di 85/100 su Metacritic, con recensioni lusinghiere da parte di Pitchfork (8.6/10), PopMatters (8/10) e Spectrum Culture (88%). La critica ne ha apprezzato l’opulenza emotiva e la capacità di riflettere le inquietudini del presente, collocandolo fra i 50 migliori album del 2021 secondo Pitchfork. «Compassion»(2024) ha consolidato ulteriormente il prestigio di Iyer: All About Jazz lo ha posto accanto a Brad Mehldau e Fred Hersch nel pantheon dei pianisti contemporanei, mentre Pitchfork ha parlato di un lavoro «irresistibilmente ascoltabile e immersivo», capace di evocare il dolore e l’ansia del presente con eleganza e profondità. La rivista ha assegnato all’album un punteggio di 8.1, lodando la coesione del trio e la qualità meditativa della scrittura. In generale, la critica ha riconosciuto in Iyer non solo un virtuoso del pianoforte, ma un pensatore musicale capace di interrogare il mondo attraverso il suono. I suoi album non sono stati letti come semplici prodotti discografici, ma come atti di coscienza, strumenti di riflessione e resistenza.

La sua collocazione nel jazz contemporaneo non è dunque quella di un solista virtuoso né di un teorico distaccato, ma di un costruttore di sistemi, un tessitore di relazioni, un pensatore musicale che opera nel crocevia fra estetica, etica e epistemologia. Nel caso di Vijay Iyer, non si può parlare di collocazione come se si trattasse di un oggetto museale. La sua presenza nel jazz contemporaneo si articola quale tessitura di relazioni, risposte e interrogativi. Iyer non aderisce ad una scuola né si lascia contenere da un’estetica precostituita. La sua traiettoria si snoda come una mappa in continua ridefinizione, dove ogni scelta timbrica, ogni infrazione strutturale diventa occasione per riflettere sull’atto stesso del fare musica. Si tratta di una posizione che presuppone consapevolezza storica senza cedimenti nostalgici ed un’articolazione del presente che rifiuta il decorativismo dello stile.