Vinile sul Divano, sincretismo sonoro e spirituale

// di Gianluca Giorgi //

Alabaster DePlume, Come With Fierce Grace (2023)

Il disco nasce dalle stesse registrazioni dell’ottimo doppio Gold del 2022. Per consentire di interagire e creare costantemente, Alabaster ha mantenuto i musicisti per diverse settimane di sessioni presso l’hub creativo londinese Total Refreshment Centre. Da queste sessioni è uscito molto più materiale di quanto è stato inserito nel doppio LP iniziale. Alabaster, quindi, si è messo a rivisitare il materiale di quelle sessioni del Total Refreshment Centre, aggiungendo, sottraendo, producendo e arrangiando, così è nato questo album completamente nuovo, Come With Fierce Grace. L’album presenta le parti più esplorative e improvvisate di quelle sessioni e c’è una forte influenza africana. È un album fatto di interazione umana autentica ed è per la maggior parte un album di strumentali, ad eccezione di alcuni brani con parti vocali particolari non sempre cantate di Momoko Gill (alias MettaShiba), Falle Nioke e Donna Thompson. Un disco impreziosito dalla presenza di molti musicisti in prima linea nel rinnovamento della tradizione jazz e avantgarde, come Tom Skinner (The Smile, Sons of Kemet), Razi Plain, che si diletta come chitarrista dal tocco discreto e puntuale o Sarathy Kowar, alla batteria e tabla. È sempre più evidente il ruolo di innovatore di Alabaster DePlume nell’ambito del jazz contemporaneo. Angus Fairbairn è un musicista nato a Manchester stanziato a Londra che registra con il nome di Alabaster Deplume e fa musica estremamente difficile da classificare. I suoi album presentano alcuni dei migliori musicisti del nuovo jazz britannico, ma non lo chiameresti jazz. È una strana miscela in cui si fondono musica da camera scricchiolante, afrobeat lo-fi, musica folk d’avanguardia e spoken-word inglese. Come with Fierce Grace è il sesto album del progetto Alabaster Deplume, l’impasto sonoro è un po’ sempre lo stesso, ma ancor più raffinato, molto bella The Best Thing in the World, un meraviglioso pezzo di minimalismo Low-fi, sublime Naked Like Water un delicato groove funk dell’Africa occidentale con la voce senza parole della cantante gospel Donna Thompson. Alabaster DePlume è un sassofonista autodidatta che suona il suo sax tenore con frasi semplici e a basso volume, un sassofonista originale e creativo, forse meno aggressivo e incisivo dei padri putativi del jazz, ma a suo modo meravigliosamente incantevole.

Pharoah Sanders, Pharoah (1977 ristampa 2023 Deluxe Edition Box con 2lp, booklet & gadgets)

Ristampa deluxe in un cofanetto con copertina in rilievo contenente 2LP. Nel box oltre alla versione rimasterizzata di Pharoah, il suo disco seminale del 1977, c’è un secondo disco con due esibizioni dal vivo inedite del suo capolavoro, “Harvest Time”, brano presente nel lato A di “Pharoah”. Il gigante del jazz sperimentale Pharaoh Sanders ha avuto un impatto indelebile con il suo approccio eterodosso al sax tenore. Nato Farrell Sanders a Little Rock, Arkansas, nel 1940, fu soprannominato “Faraone” dalla nonna per le sue origini africane. Dopo aver suonato il clarinetto in chiesa durante la giovinezza, inizia a suonare il sax tenore al liceo. Nel 1959 si trasferisce a Oakland, in California, dove suona con gruppi rhythm and blues e fa amicizia con John Coltrane. Trasferitosi a New York nel 1961, entra a far parte dell’Arkestra di Sun Ra e si fa apprezzare quando entra a far parte della band di Coltrane nel 1965 (lo stesso anno pubblica un debutto autoprodotto su ESP Disk), dove i suoi assoli dissonanti formano un forte contrasto con la melodiosità di Trane, sebbene ognuno abbia un forte impatto sull’altro. Nel 1977 Sanders incise questo set intitolato “Pharaoh” per l’etichetta jazz underground di New York India Navigation, che all’interno contiene l’eccellente epopea rilassata “Harvest Time”. L’album si compone di tre tracce, fra cui i ventuno minuti di “Harvest time”, episodio senza batteria, dai toni contemplativi e gentili, molto cerebrale, in cui si alternano calmi monologhi di sax con patterns ritmici e melodici dai richiami mistici ed orientaleggianti, ed ottime parti di contrabbasso; i due brani sulla seconda facciata, arricchiti da organo, parti vocali e batteria, presentano un sound più vicino al soul jazz, ma anche una vena che sembra preannunciare atmosfere new age. La storia di come ebbe origine il disco è sfuggente come tante cose di Pharoah. Il disco sembra essere nato da un malinteso tra lui e il produttore dell’India Navigation, Bob Cummins ed è stato registrato quando Pharoah era ad un bivio nella sua carriera, con una formazione improbabile, un gruppo di musicisti che non sono mai più stati tutti nella stessa stanza. Tra loro c’era il chitarrista Tisziji Muñoz, che sarebbe diventato un guru spirituale, l’organista Clifton “Jiggs” Chase, che avrebbe lasciato il jazz per prendere un lavoro alla Sugar Hill Records, dove avrebbe co-scritto e prodotto “The Message” per Grandmaster Flash e Furious Five, e Bedria Sanders, all’epoca moglie di Pharoah e pianista di formazione classica, che avrebbe suonato l’armonium in questo disco anche se non aveva mai visto un armonium prima. A volte ambient e sereno, a volte funky e modale, un disco che si è allontanato dal precedente modo di lavorare del “Faraone”. La confluenza di circostanze sorprendenti che circondavano la realizzazione di questo disco, anche se all’epoca sembravano limitazioni, ne alimentava solo la bellezza. Sarebbe diventato uno dei dischi più amati del “Faraone” e sarebbe stato riconosciuto come una delle grandi opere del XX secolo. Il box include un opuscolo di 24 pagine, fotografie raramente viste, interviste con molti dei partecipanti e una conversazione con lo stesso Pharoah, oltre ad altre rarità effimere. Questo album del 1977 ha generato un fervente culto tra i fan del jazz spirituale, per una buona ragione: la registrazione senza fronzoli cattura una sensazione di magia ultraterrena. Il lavoro era iniziato con la super visione di Pharoah Sanders, quando è morto inaspettatamente, presumibilmente la versione definitiva di “Pharoah”.

Annexus Quam, Beziehungen (1972 ristampa 2023)

Gli Annexus Quam di Kamp-Lintfort vicino a Düsseldorf sono arrivati con la musica giusta al momento giusto. La band di sette elementi si formò nel 1967 come “beat group” Ambition Of Music. Nel 1970, lavorare con un coro di tromboni locale portò ad un drammatico cambiamento di direzione. Trombone, clarinetto, sassofono, voci scat-like, varie percussioni, anche una pompa da bicicletta o una chitarra suonata sotto il ponte hanno trovato la loro strada nella band. Gli Annexus Quam, in un modo unico, mescolavano due generi musicali: rock e free jazz, ma il gruppo suonava entrambi in modo diverso da quello che si poteva sentire altrimenti in quel momento. Elementi di rock psichedelico con suoni d’organo pesanti sono stati combinati con note di ottoni liberamente tratte; allo stesso tempo la band era più vicina al concetto di “musica intuitiva” di Stockhausen che alle espressive improvvisazioni di gruppo di musicisti free jazz. Tutti generi che suonano familiari, ma che gli Annexus Quam hanno riempito di un nuovo significato. Non ci sono quasi strutture formali nella musica degli Annexus Quam, i musicisti controllano il suono dell’insieme in modo intuitivo ascoltandosi l’un l’altro, anche se la libertà di esprimersi non è illimitata. Infatti, non tutti i musicisti devono sempre suonare allo stesso tempo, anche qui le pause sono importanti. Nonostante tutta la libertà, i pezzi rimangono comprensibili. Tutti gli strumenti suonano molto bene, il flauto, la chitarra, sublime il sax, dando al disco un’ottima spazialità e profondità. Ogni canzone è lunga, 4 i brani in tutto, ma si riesce ad ascoltarla senza annoiarsi. Questo è ciò che lo rende attraente ancora oggi.

Lloyd McNeill, Treasures (1976 ristampa 2019)

Ristampa della Soul Jazz, etichetta che ha già ristampato diverso materiale del flautista americano Lloyd McNeill, di uno dei suoi dischi più ricercati – l’LP “Treasures” del 1976, originariamente pubblicato sulla newyorkese Baobab, etichetta privata dell’artista. L’album è stato fuori stampa per quasi 40 anni ed è un vero pezzo da collezione, una pesante e affascinante fusione di profondo spiritual jazz con ritmi e melodie brasiliane. È un album innovativo ed è il culmine dei molti anni di collaborazione di Lloyd McNeill con musicisti brasiliani. McNeill è cresciuto durante l’era del Movimento per i diritti civili negli anni ’60 e la sua vita e il suo lavoro sono un riflesso di quegli ideali. Tutta la sua musica è stata pubblicata solo sulla sua etichetta discografica privata, riecheggiando i diritti civili e i temi afro-americani dell’epoca – il potere economico dei neri e l’autosufficienza – e c’è una bella spiritualità in tutta la sua musica.